Cannons, el trío originario de Los Ángeles, California, llega por primera vez a la Argentina con la música de su más reciente trabajo de estudio. La banda integrada por Michelle Joy en voz, Ryan Clapham en guitarra y Paul Davis en batería, teclados y producción trae una propuesta de electro-pop y synth-pop con fuerte influencia de los años 80, un show en el que se concentra todo lo que los hizo reconocidos: sintetizadores envolventes, guitarras brillantes y una estética atemporal.
La cita es el 3 de marzo de 2027 en el Centro Cultural Konex y forma parte de una etapa que los encuentra embarcados en una intensa temporada de festivales y una gira conjunta junto a Bob Moses. Las entradas salen a la venta a partir del viernes 11 de noviembre y se consiguen a través de cckonex.org en este enlace. Para el público argentino, la fecha tiene un valor extra: representa el debut absoluto del trío en suelo argentino, impulsado por el lanzamiento de "Everything Glows", su quinto álbum, un disco profundamente vulnerable que explora la sanación, el renacimiento y el desamor tras una exigente etapa de agotamiento físico de su vocalista, quien logró superar una severa anemia. Compuesto desde la pausa y el acompañamiento terapéutico, el material busca un sonido introspectivo pero luminoso bajo la premisa de "encontrar luz tras la oscuridad".
Antes de este presente renovado, el grupo fundado en Estados Unidos ya había dado el gran salto a la fama mundial gracias a su éxito "Fire for You", canción que resultó clave en la serie de Netflix "Never Have I Ever" y los llevó directamente al número uno en Shazam y en los rankings de televisión, asegurando su firma con el sello Columbia Records. A ese fenómeno masivo se le sumaron participaciones destacadas en escenarios como el festival Coachella, su debut televisivo en "Jimmy Kimmel Live!" y conciertos multitudinarios en recintos emblemáticos como The Greek Theatre.
Entre el desgaste de las giras, el valor de la pausa y la búsqueda de lo atemporal: las confesiones detrás del fenómeno de Cannons
Detrás del ascenso meteórico que llevó al trío californiano Cannons a convertirse en un referente del indie pop y el synth-pop actual, existe un recorrido atravesado por la exigencia física, la introspección y el cuidado artesanal en el estudio. Al repasar el impacto masivo de su música, los límites de la exposición y su filosofía creativa, la banda ofrece una mirada honesta sobre el costo de vivir a máxima velocidad y la necesidad de frenar para volver a conectar con el arte.
El vértigo del éxito, el burnout y el poder de frenar
El punto de inflexión en la historia del grupo llegó de la mano de la sincronización audiovisual, un fenómeno que transformó su carrera de la noche a la mañana. "La usaron en la escena más importante de la serie, lo cual fue realmente increíble. Fue cuando la pareja que habías querido que estuviera junta durante toda la temporada finalmente tuvo su momento, y usaron toda la canción, así que fue como un videoclip para el tema. Esa semana llegó al número uno en los rankings de canciones de televisión y en Shazam, y nuestras vidas cambiaron por completo después de eso", recuerdan sobre el estallido de popularidad.
Sin embargo, sostener ese ritmo tuvo consecuencias severas en la salud y en la dinámica creativa: "Después de nuestra última gira, estaba severamente anémica y completamente agotada. Estar de gira y saber que tenemos que escribir un álbum agrega una presión intensa al proceso creativo; las cosas simplemente se sentían más apuradas. No me gusta que me apuren, especialmente con algo que me importa tanto como la música".
Ese quiebre físico obligó a replantear los tiempos internos del proyecto: "Este año me enseñó a dejar de exigir tanto y empezar a escuchar. El tiempo me obligó a parar, y eso cambió mi relación con la creación durante el último año. Pude crear mucho más desde un lugar de presencia, claridad y ligereza, lo cual siento que se refleja en nuestro último álbum. Venía yendo a cien millas por hora desde que explotó "Fire for You" —las giras y la composición—. No había descansos, y no me permitía ningún espacio para recuperarme. Mi cuerpo esencialmente me obligó a detenerme, y aprendí que no podía seguir ignorando mis límites".
La reconstrucción personal vino acompañada de un proceso terapéutico profundo: "Terminé haciendo mucha terapia dos veces por semana mientras recuperaba mi salud. Incluso haciendo ese tipo de terapia y las cosas que estaba atravesando, sentí con claridad que todo lo que pasa en la vida tiene una lección. Hay una razón por la que sucede. Hay un aprendizaje que sacar de eso para hacer que tu futuro sea algo mejor".
El trabajo artesanal, la intimidad y la búsqueda de lo atemporal
En el plano musical, el trío defiende una ética de trabajo minuciosa, alejada de las fórmulas descartables de la industria. "No sé si la gente realmente entiende cuánto amor ponemos en cada aspecto de nuestra música. No es el proceso más fácil para nosotros escribir. Paul puede pasar un día entero de ocho horas trabajando en un sonido de bajo. A mí me encanta tomarme mucho tiempo para asegurarme de que mis palabras sean exactamente las que quiero usar en un verso o donde sea que vayan. Ponemos mucho tiempo e intención en cada sonido", explican sobre la dinámica en el estudio.
Abrir ese círculo íntimo después de diez años de convivencia artística representó otro reto: "Eso es porque somos un trío haciendo esto desde hace una década, así que todos confiamos entre nosotros, y traer a alguien más a la mezcla y literalmente poner tus sentimientos sobre la mesa esperando que esa persona también pueda vibrar con vos puede ser un desafío a veces. Pero el resultado fue realmente bueno".
El universo lírico de sus canciones suele funcionar como un espejo de la vulnerabilidad emocional en la era digital: "Si fuera un oyente externo, sentiría que estoy en el departamento de alguien que acaba de sufrir una ruptura amorosa. Está un poco desordenado, y tiene todas esas cosas que le recuerdan a su pareja. Con las redes sociales es muy fácil caer en el doomscrolling y mirar hacia atrás cosas que quizás no sea tan saludable revisar, ¿sabés? Viejos perfiles o fotografías de relaciones o cosas que ya están muertas. Y se siente un poco tóxico mientras lo hacés".
Por encima de las tendencias pasajeras, la meta del grupo apunta a la permanencia: "Simplemente quiero que nuestra música se sienta atemporal. No quiero que las cosas se sientan de moda o fechadas. Las cosas cambian muy rápido; algo que era genial hace tres meses hoy es lo peor del mundo. Así que me esfuerzo mucho con nuestra música y nuestros elementos visuales para crear algo propio, porque mientras hagamos eso, no va a encajar en el bloque de algo que todo el mundo odie más adelante".
