Marc Almond, la legendaria voz y líder de Soft Cell, confirma su ansiada llegada a la Argentina para brindar un concierto imperdible. La cita será el próximo 29 de noviembre en El Teatrito, y las entradas ya se encuentran a la venta a través de Passline.com.
Figura clave absoluta del synth-pop y de la escena gótica británica, Almond pisará suelo argentino por primera vez para cautivar al público con un recorrido imperdible que combinará los grandes clásicos inoxidables de Soft Cell y las joyas de su exitosa obra solista.
Con una trayectoria monumental que marcó un antes y un después en la música pop y alternativa global, el artista promete una noche histórica para los amantes de los años 80.
Marc Almond: «Si me sentás demasiado tiempo, no me levanto más: tenés que seguir trabajando»
Sobre el impacto de su legado y el afecto que recibe de sus seguidores tras décadas de trayectoria, el músico reflexiona: «Creo que es un gran reconocimiento que te llamen ícono las personas que crecieron con vos y compraron tus discos. Significa que causaste una impresión en sus vidas, que tu trabajo fue apreciado y que representás algo especial para ellos; por eso, me siento conmovido».
Al referirse a las presentaciones compartidas y los cruces en la escena británica, destaca la afinidad con sus colegas de ruta: «Es la primera vez que salgo de gira con cualquiera de los dos artistas. The Human League fue una inspiración temprana para Soft Cell; ambos empezamos en el norte de Inglaterra, donde había una vibrante escena de música electrónica, así que es genial después de todos estos años compartir cartel con ellos, y Alison completa una alineación maravillosa. Todos somos artistas que nos hicimos un nombre en la música electrónica». A su vez, sobre la dinámica de los shows, aclara: «No hay planes de cruzarnos en el escenario. Cada uno tiene su propio show, y la primera vez que nos reunimos en esta gira es la primera noche».
Respecto a la experiencia de llevar su música a nuevos espacios y recintos emblemáticos, comparte su entusiasmo: «Tocamos en muchas ciudades, pero hay algunos lugares en los que nunca estuve con Soft Cell, como Nueva Orleans, Las Vegas y Nashville, y vamos a tocar en recintos icónicos como el Hollywood Bowl, el Radio City Music Hall y el Grand Ole Opry, lo cual va a ser increíble». En esa misma línea, agrega: «Me entusiasma mucho el Hollywood Bowl en Los Ángeles y tocar en Nueva Orleans porque nunca estuve ahí, pero tengo muchas ganas de que pase todo».
Consultado sobre las celebraciones del mes del orgullo durante las giras, lamenta no poder estar presente pero deja un mensaje firme: «Lamentablemente esta vez no voy a poder por la agenda tan ajustada, pero les deseo a todos un feliz Pride. Ahora mismo tiene que sonar más fuerte y estar más presente que nunca».
Sobre el concepto de su material más reciente y el homenaje a la escena nocturna neoyorquina, detalla: «Quería que el álbum fuera una carta de amor a la Nueva York de principios de los 80, cuando la visitamos por primera vez y grabamos nuestros primeros discos: un viaje a través de una noche en la ciudad, las impresiones que me causó y cómo fue un sueño hecho realidad visitar Estados Unidos para un chico del norte de Inglaterra. Me atrajo la escena de los clubes de baile creativos, donde Danceteria estaba en el corazón de todo lo que amábamos. Lanzamos nuestro primer álbum ahí y conocía a mucha de la gente que actuaba y trabajaba en ese lugar, muchos de los cuales lamentablemente ya no están. ¡Y simplemente me encantaba la palabra Danceteria!». Asimismo, sobre las posibles referencias al nombrarlo, admite: «No pensé en eso en su momento; solo estaba pensando en la canción de Frank Sinatra y Liza Minnelli 'New York, New York', pero tal vez también estaba en mi subconsciente porque me encantaba ese álbum que hizo Nina Hagen».
Al analizar la vigencia de sus grandes éxitos y el fenómeno en las plataformas digitales, manifiesta: «Es maravilloso que las canciones de Soft Cell, la mayoría grabadas hace mucho tiempo, se sigan escuchando y sean parte de la banda sonora de la vida de la gente. Las generaciones más jóvenes también vienen a vernos porque tal vez las bandas que les gustan ahora se inspiraron en nosotros. El streaming abrió un mundo musical más amplio para cruzar generaciones. 'Tainted Love' se pasa en todo el mundo en algún lugar o en algún momento todos los días y acaba de celebrar mil millones de reproducciones».
Al recordar a su compañero de ruta y cofundador de Soft Cell, David Ball, expresa con emoción: «David fue un pionero original de la música electrónica. Tuvimos una gran química que continuó a lo largo de los años, rondando los 50 años desde que empezamos. No estaría donde estoy si no fuera por su música, y estaría encantado de saber que se la mantiene viva. Lo vamos a extrañar mucho, pero siempre lo vamos a celebrar».
Sobre la idea del retiro y la necesidad vital de mantenerse activo en los escenarios, confiesa con sinceridad: «Estuve hablando del retiro durante siglos. Realmente no puedo dejar la música, y ya me resigné a eso. A veces pienso que me gustaría vivir un poco más de vida. Pensaba: 'No tengo suficiente vida para escribir en las canciones'. Tenía la lista de lugares a los que me gustaría ir, cosas que me gustaría hacer, y me preguntaba si iba a tener tiempo. Estoy trabajando constantemente». Y profundiza sobre el temor a frenar la marcha: «No sé qué otra cosa haría. Como artista mayor, me doy cuenta de que si me siento demasiado tiempo, no me voy a volver a levantar. Lo peor que podría hacer ahora sería tomarme un gran descanso, porque estoy en esta calesita que es tan constante que es difícil bajarse. Y tengo miedo de bajarme porque, si lo intento, sería muy difícil volver a subir. Tenés que seguir trabajando».
Observando el contexto social y la carga dramática de sus composiciones actuales, señala: «Parece haber una sensación de fin de los tiempos dando vueltas. Eso es tanto en general como para mí en lo personal. En estas nuevas canciones, miro el mundo que me rodea y a mí mismo en el espejo y, en realidad, estoy bailando a través de todo este caos». Sobre esa misma idea y las citas filosóficas en la música pop, añade: «Me encanta esa frase. La veo como 'del caos surge la creatividad', así que creo que es una declaración positiva. Es como me siento conmigo mismo; bailando a través del caos, esperando que pase algo positivo. De todos modos, ¡estoy feliz de ser una de las primeras personas en poner a Nietzsche en una canción pop!». A su vez, sobre el tono del proyecto, aclara: «Era importante no ponerse demasiado trágico. No quería que fuera todo emocionalmente gótico y oscuro».
Al hablar sobre la estética, la fascinación por la cultura norteamericana y su propia vanidad, explica: «Es puro autoerotismo. Dicen que la industria automotriz debe haber contratado poetas para pensar los nombres de esos viejos autos americanos: Chevrolet, Corvette, Stingray, Buick, Electra, qué nombres tan fantásticos. ¿Sobre el elemento sociopático? Soy muy bueno para detectarlos, aunque parezco atraerlos. Tal vez sea porque yo mismo soy un poco sociópata. Definitivamente soy narcisista, que es una de las razones por las que me resulta tan difícil envejecer. Pelear una guerra contra el envejecimiento y perderla, eso es algo difícil de contemplar para un narcisista».
Abordando las secuelas de su grave accidente de tránsito en 2004 y el impacto en sus vínculos afectivos, revela: «Desde el accidente, tuve una gran batalla con las emociones. Tengo problemas para ubicar mis sentimientos y tengo una falta de empatía sobre cómo me siento hacia la humanidad. Siempre fui un poco así, pero el accidente arruinó gran parte de mi sensibilidad emocional». Y profundiza sobre esa desconexión: «El legado que dejó es intentar constantemente encontrar la emoción en cualquier cosa. Me emociono por cosas por las que no debería emocionarme, pero tengo una falta de empatía por las cosas por las que debería sentir empatía. Tengo una gran falta de empatía hacia las personas, pero si veo que lastiman a un perrito, puedo llorar durante horas».
En cuanto a la complejidad de la vida en pareja y la distancia como refugio, reconoce: «Las relaciones me resultan muy difíciles, para ser sincero. No las amistades, porque los amigos que siempre tuve saben cómo soy. La forma en que me siento ahora es algo que intenté poner en estas canciones: la frialdad que a veces siento por las cosas. Hay una falsa frialdad emocional en mí». Y concluye sobre su ideal afectivo: «Para mí, las mejores relaciones son las que casi nunca ocurren. Nunca llegás del todo, pero siempre la tenés como una presencia, como algo emocionante. Las mejores relaciones que tuve son siempre con alguien en otro país, ¡porque casi nunca los ves! Ver a alguien de vez en cuando, eso es suficiente para mí. Soy una persona a la que le gusta mucho estar sola. Me gusta la idea de una relación, pero la realidad es diferente, así que me gusta el amor a fuego lento, tan lento que casi no sucede».
Sobre los guiños en sus letras y los malentendidos con el público, relata con humor: «Hay un error deliberado en las letras, que me pareció una muy buena idea en su momento, pero parece que todo el mundo piensa que metí la pata. La línea 'El sol vuela alrededor de la tierra hasta que muere' busca remarcar lo imposible que es la relación y que no podría suceder de ninguna manera. Pero, hasta ahora, la gente solo me dijo: 'Oh, Marc, cometiste un gran error cósmico acá'. Para que quede registrado, sé que es la Tierra la que gira alrededor del Sol, ¡gracias a todos!».
Al comparar las dos grandes metrópolis estadounidenses y la atracción por la decadencia, reflexiona: «'Hollywood Forever' es una canción de suicidio sobre el anhelo de nostalgia. La era dorada de Hollywood ciertamente se perdió, y el cementerio Hollywood Forever es mi lugar favorito para ir en Los Ángeles. Es un lugar hermoso, y escribí las palabras mientras caminaba por los mausoleos de todas estas grandes estrellas». Y contrapone ambas costas: «Me encantaba la energía, la escena artística y la música de Nueva York cuando trabajaba ahí. En ese momento nunca fui muy de Los Ángeles, pero ahora busco una energía diferente y Los Ángeles me entusiasma mucho más en estos días. Hay una gran sensación de decadencia ahí. Lana Del Rey realmente captura ese ennui de Los Ángeles en sus canciones. También me gusta estar ahí porque a nadie le importa quién sos. Podés ser tan visible o tan invisible como quieras. Me gusta la idea de ir para allá para poder andar en chancletas y bata, con un par de anteojos oscuros, mientras me descompongo lentamente junto con el resto de Hollywood».
Sobre el proceso de trabajo junto a Chris Braide y las dinámicas en el estudio, destaca: «Chris y yo conectamos con las mismas cosas. Los dos somos obsesivos de T-Rex. A menudo nos mandamos listas de reproducción de la música que estamos escuchando. Chris sabe cómo hacer canciones que sean un buen marco para mi voz y sabe lo que me entusiasma». En cuanto a sus colaboradores instrumentales, agrega: «Escribí grandes canciones con otra gente. Me gusta mucho trabajar con mi guitarrista, Neal X, pero escribo mejor con tecladistas que con guitarristas».
Revelando detalles de la producción y la búsqueda conceptual del material, cuenta: «Chris y yo somos progresivos en secreto. Queríamos hacer un disco donde las canciones se fusionaran entre sí y hubiera otros extractos que vincularan sus historias. Era una idea emocionante, porque era muy poco de moda y completamente a contracorriente de hacer». Sobre los ajustes del sello discográfico, admite: «Eso fue un poco frustrante. Pero lo entendí, y BMG fue un buen hogar hasta ahora. La idea progresiva se convirtió en un disco más guiado por las baladas. Incluso cuando Chris y yo íbamos en direcciones diferentes, nos manteníamos en contacto; Chris me mandaba melodías e ideas, mientras que los temas de las canciones se mantuvieron iguales». A su vez, sobre la ambición de sus obras, aclara: «No me propuse hacer un álbum definitivo. Espero que cada álbum que haga sea la declaración que quería en ese momento. Pero una vez que hacés tu álbum definitivo, no tenés que hacer nada más después. ¡Eso sería todo y realmente me tendría que retirar!».
Al recordar momentos clave del regreso de la banda a los escenarios, evoca: «El clima entre nosotros había sido frío, por decir lo menos. Fue mi culpa, ya que estaba en un lugar muy oscuro, recuperándome de mi accidente». Y sobre el multitudinario concierto de reunión, comparte: «Fue una noche increíble. Tuvimos muy poco tiempo de ensayo o prueba técnica, así que todo tuvo que salir esa misma noche; lo que se vio fue nuestra única oportunidad real y desearía haber podido estar más presente en el momento para disfrutarlo ahí mismo. Pero, sorprendentemente, la mayor parte salió bien». Y añade sobre la diversidad del público: «¿Un poco caótico decís? ¡Realmente lo fue! Se convirtió en un show de tres horas al estilo Bruce Springsteen, porque tenías que complacer al contingente electrónico, al contingente gótico y a la gente que solo quería escuchar 'Tainted Love' y 'Say Hello Wave Goodbye'. Pero creo que lo logramos».
Por último, al analizar el clima en las plataformas digitales y la decisión de alejarse de la confrontación, sostiene: «Es muy tóxico ahora. Cosas como la ironía, el matiz, el sarcasmo y el humor no se entienden muy bien. Me gustaba ser provocativo y travieso en Twitter, publicar algo para ver qué pasaba. Pero ahora vivimos en un mundo tan extraño, dividido, en blanco y negro, que si das una opinión, tenés que estar de un lado tribal. Ya no podés estar en el medio».
Profundizando sobre esa dinámica en redes, confiesa: «Tengo el impulso de decir cosas que no debería decir: tirar la bomba y ver qué pasa. Me gusta crear ese caos. Pero Twitter había dejado de ser divertido y ya no puedo lidiar con tanto odio en estos días. La gente no solo no está de acuerdo vos; inmediatamente sos una persona traidora que simplemente debería morirse. No podés hablar del disgusto en ningún tipo de zona gris, ni podés explicar que estás siendo provocativo. Pasé por demasiado odio en mi vida. Cuando Robbie Williams dejó Twitter, dijo: 'Estás a solo un tuit de arruinar tu carrera'. ¡Sé cómo se siente!». Y concluye sobre su canal digital preferido: «Instagram es menos tóxico y hay muchas ideas visuales geniales. Hago Instagram para mí más que para cualquier otra cosa. Subo fotos que también son para el público, pero principalmente ¡es para recordarme lo que hice la semana pasada! De lo contrario no me acuerdo, pero ahora puedo volver atrás y decir: '¡Ah, sí, fui ahí el año pasado!'».
