La primera gran noticia de la semana es el anuncio de la llegada de uno de los mejores y más virtuosos guitarristas del planeta a la Argentina: Paul Gilbert.
El músico se presentará el 11 de septiembre en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA).
Las entradas ya están a la venta por sistema Passline en este enlace.
Creatividad y entorno: El peligro de la comodidad y el motor de la presión
Para muchos artistas, la estabilidad es el escenario ideal para componer, pero Gilbert descubrió que el confort excesivo puede transformarse en el peor enemigo del rock. «Vivo en Las Vegas, o en los suburbios de Las Vegas, y es un lugar muy agradable para vivir, muy hermoso, muy tranquilo, muy normal. Pero realmente no inspira al Rock 'n' Roll, así que tuve que tomarme un descanso... Necesitaba cambiar de escenario y buscar nueva inspiración». Esa búsqueda de estímulos lo empujó a valorar el caos y la novedad de las grandes urbes internacionales como una aventura necesaria para el espíritu: «Estar en una gran ciudad extranjera es increíble, me inspira mucho intentar ir a otras grandes ciudades en el futuro. Es una gran aventura poder salir e ir a un lugar donde la gente habla otro idioma, hay una cultura diferente y pruebas todo tipo de comida distinta».
Ese inconformismo no solo se limita al plano geográfico, sino también a las metodologías de trabajo dentro del estudio. Lejos de escaparle a las entregas ajustadas, el guitarrista encuentra en los plazos exigentes una chispa extra de energía:
«Tener que hacer algo rápidamente acelera todo tu metabolismo, te hace pensar más rápido. And creo que realmente le aporta energía a todo el proyecto».
Esta necesidad constante de crear y tocar se vuelve, con los años, una fuerza biológica inevitable. Para Gilbert, la música opera bajo los mismos mecanismos de recompensa que los estímulos más intensos de la naturaleza humana, convirtiéndose en una adicción saludable: «Hacen experimentos con ratones donde les dan cocaína, y el ratón sigue presionando el botón de la cocaína. Nunca he probado la cocaína, pero la música puede ser así. Si tengo un proceso que me sigue recompensando con el placer de la música, con gente sonriéndome cuando actúo y poniendo comida en la mesa, voy a seguir presionando ese botón».
Filosofía musical: El arte de la melodía sin prejuicios de género
A lo largo de su carrera, Gilbert se caracterizó por derribar las barreras que separan al metal más técnico del pop más ganchero, plantándose con firmeza frente al purismo melómano. «Realmente disfruto tocando la guitarra de heavy metal una locura y disfruto de las buenas melodías pop, con muchas armonías vocales... Algunos pueden estar más metidos en lo pesado, otros en lo pop. En mi caso, ¡qué pena, se llevan ambas!». En ese sentido, lamenta que las etiquetas comerciales impidan apreciar la calidad compositiva de ciertos estilos pesados: «Mucha gente no se tomará eso en serio porque es heavy metal. Eso es una lástima, es un poco tonto juzgar solo por el estilo. Para mí, en cada tipo de música hay cosas buenas».
Esta visión transversal lo llevó a mantenerse siempre al margen de las tendencias radiales o comerciales del momento, priorizando su instinto por sobre el consumo masivo: «Muchas de las cosas que son populares no las entiendo realmente. Mi gusto musical es diferente y siempre ha sido diferente de lo que ha sido popular». Para el músico, la solidez de una composición no depende de la producción ni del volumen, sino de su fuerza intrínseca, encontrando una prueba de fuego infalible a la hora de componer:
«Descubrí que si podía hacerlo todo en mi cabeza, y mantener la melodía en completo silencio, entonces era una melodía fuerte».
Bajo esa premisa, el uso de la velocidad y el virtuosismo extremo deja de ser el fin principal del tema para convertirse en una herramienta de matiz y dinámica: «Me gusta el material que de vez en cuando va a toda velocidad y crea energía. Me permito eso de vez en cuando como un contraste».
El oficio de la guitarra: Técnica, dolor físico y la falsa simplicidad
Uno de los mayores choques para cualquier músico es la distancia que separa el ensayo bajo techo de la crudeza del escenario. Gilbert hace hincapié en que la comodidad del estudio es una ilusión que se desvanece al salir a la ruta: «Puedes estar muy cómodo y ser muy bueno en una situación más controlada. Pero cuando sales al mundo real, normalmente se tarda alrededor de una semana en adaptarse. Es casi muy difícil prepararse para ello, en lugar de simplemente hacerlo». Asimismo, diferencia la capacidad técnica de la destreza necesaria para transmitir el conocimiento a las nuevas generaciones: «Una cosa es ser capaz de tocar, pero ser capaz de comunicar cómo tocar es una habilidad completamente diferente».
En sus comienzos, esa búsqueda de la excelencia requirió una disciplina casi militar para moldear la identidad de la banda: «La mayoría de los músicos no don't disfrutan levantándose temprano por la mañana. Durante seis meses, nos levantábamos todos los días a las seis de la mañana para ensayar. ¡Era como estar en el ejército!». A ese rigor mental se le suma, inevitablemente, un factor de resistencia corporal que todo guitarrista debe superar para conectar realmente con el instrumento:
«Creo que a lo que se reduce es al dolor físico por el que tienes que pasar para conseguir callos en cierta parte de tu dedo... La gente que nunca toca fuerte, con un baterista, no llega a ese punto en el que no les importa el dolor. Una vez que pasas ese bache y tienes ese callo, ya no duele y muchas cosas caen en su lugar».
Al superar esa barrera física, la guitarra se transforma en un canal de exploración infinito donde el paso del tiempo juega a favor: «Con la guitarra nada se desgasta, especialmente con la melodía. Cuanto más lo haces, más profundo llegas y más hermoso se vuelve». Curiosamente, el músico confiesa que el enfoque melódico fue su frontera más tardía, desmitificando la idea de que las estructuras lineales son las más sencillas de ejecutar: «Cuando escuchas la palabra melodía, suena como algo relativamente simple, y seguramente las escalas deben ser más difíciles. Pero en realidad, para mí, la melodía es algo que, durante muchísimo tiempo, nunca intenté hacer de verdad».
Éxito, gestión del ego y la búsqueda horizontal del instrumento
La longevidad en la industria musical exige una relación madura con el error y la frustración. Gilbert entiende que la exposición pública es solo la punta del iceberg de un proceso lleno de intentos fallidos: «Por cada éxito que tengo, hay una habitación llena de fracasos. El truco es no dejarse detener por eso». Esa misma claridad mental le sirvió para tomar decisiones drásticas en los momentos cumbre de su carrera, priorizando sus deseos artísticos por encima de las presiones del entorno: «Cuando me uní a Mr. Big, fue una decisión realmente difícil... Pero al mismo tiempo, cuando dejé Mr. Big, fue una decisión muy fácil. En ese momento sabía exactamente lo que quería hacer y lo que no quería hacer».
Desde esa posición, el guitarrista aprendió a valorar la capacidad de llegada de otros colegas por encima de la velocidad o la complejidad técnica, entendiendo que el núcleo de la música es la comunicación: «Aunque él [Billy Corgan] pueda no tener la mejor técnica, debe estar haciendo algo que realmente se comunica con la gente». La fama y los ránkings, bajo su mirada, son factores demasiado volátiles como para construir una identidad sobre ellos: «¡Fue maravilloso, y también se sintió completamente fuera de mi control! Se sintió como si me lo hubieran dado y, al mismo tiempo, se pudiera quitar por un capricho... Nosotros escribimos la canción, tocamos la canción, pero cómo responde la gente a ella está en sus manos. No puedes predecir eso». Al final del día, el motor que moviliza a cualquier artista sigue siendo la necesidad humana de validación y conexión con el otro: «A veces el significado es que le gustas a alguien lo suficiente por lo que hiciste como para darte algo a cambio. Creo que cualquier ser humano quiere ser visto, y quiere que alguien mire lo que hizo y diga: "Oh, me gusta eso"».
En la búsqueda técnica de sus últimos años, Gilbert trasladó esta filosofía de simplificación y expresividad directamente al diseño y la ejecución de su instrumento, encontrando ventajas en las limitaciones físicas: «Me di cuenta de que menos es más porque cuantos menos trastes, más alcance tengo para los armónicos... En una guitarra que tiene 21 trastes, tengo más espacio para alcanzar los armónicos de púa». Esta evolución lo llevó a abandonar los patrones rígidos y verticales para volcarse a un estilo mucho más vocal y fluido sobre el mástil: «Como guitarristas, estamos entrenados para tocar verticalmente y movernos a través de las cuerdas, usar las seis cuerdas y quedarnos en una posición. Eso funciona mejor para tocar rápido, pero para tocar de manera expresiva, el toque horizontal realmente tiene muchas ventajas».
